当我们坐下聊起街舞，李娜笑得很轻松，但眼神里藏着的那股专注，让人瞬间明白她不是偶然成功。她来自一个普通小城，少年时代的街头是她最早的舞台。那时候没有专业场地，也没有昂贵服装，只有一群热爱舞蹈的朋友和对节拍的敏感。她说，街舞最迷人的地方就在于它的真实：你可以在任何地方表达自己，节拍就是你的指南针，身体就是你最直接的语言。
李娜回忆起第一次站上正规比赛舞台的情景，舞台灯光与掌声让她既兴奋又紧张。那次经历改变了她对舞蹈的理解——舞台不仅是技术的展示，更是情绪与故事的传递。于是，她把训练拆分为三个维度：技术、表达与体能。技术是基础动作的精确度，表达是如何用身体讲故事，体能保证在高强度对抗中保持稳定发挥。
她每天练习的时间并不神秘：固定训练加上自由即兴，每周至少六天。固定训练让动作扎实，自由即兴则是她寻找个性与灵感的温床。
谈到灵感来源，李娜提到街头文化、电影镜头、甚至生活中的一次小争吵都可能成为她创作的起点。她喜欢把生活碎片拼接成舞段，用最平凡的素材放大成能触动观众的瞬间。为了让舞蹈更有层次，她还注重音乐的选择与编辑，常常与制作人讨论如何在节拍之间留下呼吸的空间，让观众有时间感受情绪变化。
李娜特别强调“听觉之外的节奏”——光影、服装、队形的转换，这些都能成为舞蹈语言的一部分。
在训练方法上，李娜有几条自创的原则。第一，慢动作分解：把复杂动作拆解到每个小关节，练到肌肉记忆形成。第二，多角度录像：从不同视角拍摄训练视频，回看时发现自己看不到的细节。第三，限时即兴：设置限定规则，比如只能用三个动作表达一个故事，逼迫自己跳出舒适区。
这些方法看似简单，但长期坚持，会把表演的“水分”一点点挤出去，留下真正有感染力的表演。
她也谈到了团队与个人的关系。街舞看似个人表达，但每次大型表演背后都有团队的支撑：编导、灯光、道具、音乐人。李娜常常把舞台视为一次集体创作，自己负责方向与情绪输出，其他成员负责放大与呈现。团队内部的信任，比任何技巧都更能让舞台效果加倍。她刻意在排练中创造开放讨论氛围，让每个人都能提出“可能更好”的想法，哪怕最后不被采纳，也不会让人感到被忽视。
一提到舞台心态，李娜的语气立刻柔和下来。她说，台上最难控制的不只是身体，而是那种想被认可的心。面对镜头和评委，许多舞者会紧张到忘记舞蹈本身。因开运电竞此，她训练里有一项看似有趣却极有效的练习：镜子之外的自我对话。每次排练开始前，她会在心里和自己简短对话，告诉自己要把情绪先交给舞蹈，而不是结果。
这种方式让她在关键时刻更像讲故事的人，而不是追求完美的机器。
品牌与个人形象方面，李娜是非常主动的经营者。她并不回避商业合作，但强调“选择与舞蹈调性一致”的品牌。她认为，长期价值远比短期曝光更重要。因此，无论是代言、教学还是开设工作坊，她都保留一定的话语权，确保每次呈现都不会削弱个人风格。她也分享了社交媒体的策略：保持稳定输出，偶尔放出训练失误或排练花絮，比一味包装完美形象更能赢得粉丝的信任。
谈到教学与传承，李娜的眼里有柔情。她开办的街舞工作室不仅教动作，更强调文化与历史。她希望学员理解街舞来自街头、来自社区的表达，不只是模仿动作，而是学会用舞蹈反映自我。工作室的课程组合包括基础技术、即兴训练、编舞实战和舞台呈现，全方位培养属于新时代的街舞人。
她说，真正的传承是让每一代人在前人的基础上，找到自己的声音。
创业路上，李娜也并非一路顺风。早期资金紧张、场地租赁和团队磨合都曾让她几度怀疑选择。但她用另一种街舞精神面对：不断迭代与快速试错。每一次失败都被她记录为“素材”，变成下一次作品的能量。她鼓励同行不要害怕被定义为“商业化”，因为商业并非异端，关键在于保持创作的底线与态度。
李娜给年轻舞者的建议既直白又暖心：不要把每一次表演都看成终局，把舞蹈当作一生学习的对象。努力是通往自由的门票，而好奇心会带你到无人踏足的街角。结束采访时，她站起身来，随意跳了一个短短的即兴，那几秒钟里的放松与力量，让人明白：她的成功，不是单点的闪光，而是长年累月在街头与舞台之间，日复一日锤炼出的光芒。
若你想从事街舞或只是想被舞蹈触动，李娜的故事足够真实，也足够启发人去迈出第一步。
